El Engaño Pop de Anne Hathaway, al Descubierto

¿Neta? ¿Otra vez la misma historia de la estrella pop?

Vamos a dejarnos de rodeos. El tráiler de “Mother Mary” de David Lowery ya está aquí, impulsado por la aceitadísima maquinaria de hype de A24, y la reacción inmediata es la de una comunidad cinéfila que saliva como perro de Pavlov. Anne Hathaway como un ícono pop. Michaela Coel como su contraparte creativa. Música de Jack Antonoff y Charli XCX. Es una tormenta perfecta de prestigio vendible, una lista de nombres calibrada para emocionar al mismo tiempo a los clavados de Film Twitter, a los blogs de pop y a las revistas de moda. Pero, ¿estamos viendo el nacimiento de una nueva obra de arte cultural, o simplemente somos testigos del acto de sinergia de marca más sofisticado de los últimos tiempos? La evidencia, si uno se detiene a pensarla fríamente, apunta a lo segundo. Esto no es arte. Es un algoritmo hecho película.

Es un producto. Así de fácil.

¿Alguien pidió esta película?

La narrativa del “sufrimiento de la estrella pop” ha sido exprimida hasta la última gota durante décadas. Ya vimos esta historia en todas sus formas posibles, desde el trágico ascenso y caída en “Nace una Estrella” (en sus chorrocientas versiones) hasta la deconstrucción satírica en “Vox Lux” y el psicodrama incómodo y crudo de “Her Smell.” Cada nueva versión jura que nos va a revelar una nueva y profunda verdad sobre la fama, la feminidad y la máquina trituradora de almas que es la industria musical. Entonces, la primera pregunta lógica no es “¿Estará buena?” sino “¿Qué diablos queda por decir?”. David Lowery, un director cuya marca personal se basa en examinar el tiempo y la pérdida de forma callada, meditativa y a un ritmo que a veces desespera, ahora está al mando de una “épica pop”. Esto no es un salto creativo valiente; es una anomalía estratégica que exige un análisis forense. ¿Están usando a Lowery para darle una capa de legitimidad de cine de arte a lo que, en el fondo, es un concepto ultra comercial? Por supuesto que sí. A24 está jugando la carta más vieja del mundo: envolver un Gansito en papel de oro y venderlo como si fuera un postre de Pujol.

Desarmando el Factor Hathaway

¿Por qué Anne Hathaway, y por qué justo ahora? La trayectoria de su carrera es un caso de estudio fascinante sobre cómo manejar la percepción del público. Fue la novia de América en “El Diario de la Princesa”, luego una actriz seria ganadora del Oscar por “Los Miserables”, y después vino ese período bizarro de rechazo público —el famoso “Hathahate”— por ser percibida como demasiado intensa, demasiado teatral, demasiado… todo. ¿Y ahora? Un regreso que cierra el círculo, en un papel que convierte esa misma teatralidad en un arma. Ponerla en el papel de una estrella pop adorada mundialmente es un comentario meta sobre su propia relación con la fama, una jugada calculada y diseñada para que la analicen hasta el cansancio en artículos de opinión. Es brillante, de una forma fría y corporativa. No se supone que veamos a un personaje llamado Mother Mary; se supone que veamos a Anne Hathaway *actuando* la idea de una estrella pop, siempre conscientes de la actriz debajo del disfraz. Es una actuación blindada contra la crítica por su propia autoconsciencia. Te reta a que la llames falsa.

Ese look noventero no es nomás un peinado, ¿o sí?

No. Para nada. La mención de su “polémico look de los 90” —los mechones gruesos, el rubio platino— no es un detallito para la revista Caras. Es una pieza clave de la maquinaria. Es un significante fabricado. Ese peinado evoca inmediatamente una era específica de la música pop: ese limbo después de Madonna y antes de Britney donde el artificio lo era todo. Grita “identidad construida”. Es un atajo visual que le dice a la audiencia que esta película se trata *sobre* la construcción de una persona pública, ahorrándole al guion el trabajo de tener que explicarlo. Es un gancho nostálgico para los millennials, que son el target, y una forma barata de inyectarle una estética pre-empaquetada al ADN de la película. Esto no es desarrollo de personaje. Es posicionamiento de marca. Ese pelo está haciendo más chamba de marketing que los propios pósters.

El Complejo Industrial A24 en Acción

Tenemos que hablar del estudio. A24 ha cultivado una base de fans casi religiosa vendiéndose como la antítesis de la máquina de Hollywood, pero la realidad es que se ha convertido en la máquina más eficiente de todas. Ya no vende películas; vende un estilo de vida. Una película de A24 ya viene con su certificado de buen gusto incluido. Comprar su mercancía, compartir sus tráilers y defender sus estrenos se ha vuelto una forma en que la gente señala su propio gusto sofisticado. “Mother Mary” parece ser la culminación de esta estrategia. Han tomado un género masivo —el musical— y lo han filtrado a través de su estética deprimente y su angustia existencial, con un director que garantiza la atención de la crítica.

Esta es su jugada para entrar a las grandes ligas, un intento de producir un momento de cultura pop a la escala de “Barbie” pero con el sello de cool intelectual de “Moonlight”. Es querer picar en dos fiestas al mismo tiempo, ser el cine de arte y el rey del mainstream. Es una apuesta increíblemente riesgosa. Si falla, la fórmula queda expuesta. Revelaría que la magia de A24 no es magia, sino simplemente un plan de marketing muy, pero muy astuto. Están apostando a que su marca es ya tan poderosa que puede transformar cualquier material, por más choteado que esté, en un evento cultural imperdible. Nosotros somos los conejillos de indias en este experimento.

¿Y la música? Una sinfonía de lo predecible.

La elección de Jack Antonoff y Charli XCX para la banda sonora es la pieza final y más reveladora del rompecabezas. Es casi demasiado obvio. Antonoff se ha convertido en el productor de cajón para un tipo muy específico de pop introspectivo y aclamado por la crítica, para artistas como Taylor Swift, Lorde y Lana Del Rey. Su sonido es el equivalente sónico de una película de A24: melancólico, producido hasta el último detalle y una carnada para los críticos. Charli XCX, por otro lado, representa la vanguardia del hyperpop, un género que deconstruye y satiriza los clichés del pop mientras crea ganchos perfectos. Juntarlos no es una decisión creativa audaz; es la decisión más lógica y con menos riesgo que pudieron tomar. Garantiza una banda sonora que será elogiada por ser tanto emocionalmente profunda (Antonoff) como intelectualmente astuta (Charli XCX). Es una obra maestra creada por un focus group. La música será algorítmicamente perfecta, diseñada para ser analizada y aplaudida, pero ¿tendrá alma? Todo el proceso de producción sugiere que no.

El proyecto entero de “Mother Mary”, cuando se analiza con una lupa lógica y deconstructiva, deja de ser una película y se revela como un producto meticulosamente ensamblado. Es una colección de activos de alto rendimiento —la meta-narrativa de Hathaway, el prestigio de Lowery, el poder de la marca A24, la firma sónica de Antonoff— combinados en un laboratorio para producir un resultado predecible: un momento cultural aclamado por la crítica, comercialmente viable, que se siente importante sin tener que decir nada nuevo. Están demasiado cómodos, demasiado sentados en su dominio del mercado como para hacer algo verdaderamente arriesgado. Será hermosa, será triste, será aplaudida. Y será absoluta, completa y aterradoramente hueca.